Ferdinand Schultz-Wettel est né à Mulhouse en 1872,. Il se forme principalement à l’école des Beaux-Arts de Berlin de 1890 à 1893,  puis suit des cours privés à Paris, ou il fut notamment l’élève du célèbre W. Bouguerau ou encore de Tony Robert-Fleury .

Il se marie avec une Obernoise et se fixe à Obernai en 1914. Expulsé en 1941 par les nazis, avec 14 autres familles de notables, il séjourne à Lyon, Limoges et enfin Solignac où son nom M. « Vettel » est toujours cité et connu de nos jours.

De retour à Obernai, il dut faire face à la perte de tous ses biens ainsi que de ses oeuvres et de son matériel de gravure.

Durant sa carrière, il expose régulièrement à Paris, Munich, Berlin, Londres et dans les galeries Strasbourgeoises. En 1922, il présente au salonde la Société Nationale des Beaux-Arts la célèbre procession de Geispolsheim.

A partir de 1926 il expose régulièrement au Salon des artistes français, dont il devient membre associé en 1924, ce qui lui permit de se faire connaître au-delà des frontières de l’hexagone.

Fidèle à sa formation académique, Ferdinand Schultz-Wettel excelle dans de nombreux genres et nombreuses techniques tel que la création publicitaire, les affiches, étiquettes de vin, l’illustration de livres, contes, livres scolaires, le nu, la flore, les scènes ….

Il est capable d’aborder tous les genres, il fit cependant de l’art du portrait son art favori en maîtrisant toutes les techniques : gravure, huile, fusain, pastel…

Sa production graphique, lithographies, gravures, eaux fortes, monotypes, absolument remarquable d’ailleurs, est unanimement reconnue en Europe et dans le monde. Je vous propose de découvrir ci-dessous quelques oeuvres de cet artiste qui mériterait d’être mieux connu. (plus un cadeau dans quelques jours ;o))

Ferdinand Schultz-Wettel s’est éteint à Obernai le 10 janvier 1957 et repose au cimetière protestant d’Obernai. Il a fait don de ses oeuvres à la ville d’Obernai dont certaines ont été restaurées en 2008 et 2009.

Je vous ai fait une petite sélection de cartes de fin d’année dessinées, la plupart du temps dessinées par de vrais artistes. La taille moyenne d’une carte est de 1280×1024 px., donc pouvant éventuellement être utilisée en fond d’écran.

Le pack à télécharger comprend 52 cartes. Les artistes sont Ellen Stouffer, Lisa Blowers, Donald Zolan, Susan Bourdet, Jane Hissey, Catherine Simpson, Charles Wysocki, Lowell Herrero, Donna Kriebel, Debbie Mumm, Mary Engelbreit.

C’est à télécharger ici.

Echantillon:

FLAC fonctionne comme un « zip », par exemple un document texte que vous compressez avec winzip ou winrar ne perd aucune donnée; à la décompression vous retrouvez intégralement vos données.

La différence essentielle avec winzip, 7zip ou winrar est que le compresseur FLAC est spécifiquement conçu pour l’audio. En utilisant FLAC pour réduire en taille un fichier audio, vous obtiendrez une meilleure compression qu’avec winrar, winzip ou 7zip.

Donc pas de perte de qualité par rapport à votre CD original du commerce, et de plus il est possible de lire les fichiers FLAC avec votre lecteur favori ou chaine Hi Fi, voire avec certains autoradios ou auditoriums de voiture comme vous le feriez avec un CD MP3.

Ici une liste non exhaustive de matériels compatibles avec le format FLAC.

FLAC est un format compressé lossless très répandu, il s’avère rapide lors de la  compression ou décompression, mais surtout il a l’avantage d’être gratuit et open-source.

Vous pouvez le télécharger directement à partir de cette page, il existe une version pour Windows, Linux ou MAC OS. (Pour VISTA, c’est mon cas, il se peut qu’une erreur se produise à l’installation, dans ce cas suivez les instructions données sur ce forum.

Tout l’outillage pour compresser et décompresser se trouve sur cette page.

Comme je le disais, qui dit format populaire, dit aussi format facilement « trouvable » sur internet. Imaginez donc que vous êtes dans la situation d’avoir perdu ou rayé votre CD original de votre artiste favori de sorte que l’écoute est impossible car vous n’avez pas pu faire de copie de votre original. Alors il vous reste effectivement la solution de racheter le CD ou bien … de télécharger une copie au format FLAC. (en étant en mesure de justifier l’achat de l’original bien sûr conformément à la loi sur le droit à la copie privée ;o))

Voici quelques astuces pour tenter de retrouver la qualité de l’original grâce à une copie en format FLAC stockés sur internet.

Dans Google vous pouvez taper cette commande par exemple, dans ce cas précis l’artiste est Joe Cocker.

• « rapidshare.com/files » joe cocker flac avec cette commande vous obtiendrez essentiellement des archives stockées par Rapidshare.

• autre exemple : « rapidshare.com/files » eric clapton

Bien sûr vous pouvez également essayer certains moteurs de recherche spécialisés dans les recherches Rapidshare ou autres dont vous trouverez quelques liens sur cette page de mon blog, ou alors tout simplement utiliser le moteur de recherche Google avec les mots clés suivant: « artiste » flac . (mais vous  aurez une prédilection de résultat pour les torrents)

Autant le dire tout de suite, la recherche est incertaine et il se peut que vous ne trouviez pas votre CD. Cela dépend aussi de la popularité de votre artiste ou groupe. Eventuellement si votre recherche est infructueuse vous pouvez vous tourner vers la solution des torrents.

Dans l’hypothèse ou vous avez trouvé votre bonheur, comment procéder ?

1. Installer FLAC téléchargeable à partir de cette page de téléchargement.
2. Décompresser les archives .rar à partir desquelles vous allez extraire les morceaux du CD. Exemple : titre1.flac, titre2.flac. titre3.flac…
3. Dans certains cas vous pourriez n’avoir qu’un seul fichier .flac regroupant tous les morceaux du CD.
4. Lancez Flac Fronted, vous obtiendrez cet écran : ( ne touchez à aucun réglage)
5. Cliquez sur Add Files et ajoutez dans la fenêtre les .flac stockés sur votre disque dur puis cliquez sur Decode.

Après quelques secondes et l’ouverture d’une fenêtre DOS, vos .flac seront décompressés et se trouveront dans le même répertoire.

L’extension des nouveaux fichiers sera .wav. C’est le format  habituellement utilisé sur les CD album que vous achetez par exemple à la FNAC ou à Virgin.

Il ne vous reste plus qu’à graver pour obtenir un CD qui sera plus ou moins à l’image de l’original. Pourquoi plus ou moins ? La copie exacte d’un CD dépend de nombreux réglages, du lecteur du PC, du logiciel utilisé…

Dans certains cas, si le travail a été bien fait, vous trouvez également 2 autres fichiers dans l’archive : un fichier .cue et un fichier log. Le fichier .cue est un petit fichier au format texte lisible par notepad par exemple, il contient toutes les informations de gravure, les titres, l’intervalle de pause entre les titres,  le rang des chansons sur le CD original… Il vous permet de faire une gravure à l’image de l’original.

Le fichier .log contient des informations sur le logiciel utilisé, le taux d’erreur à la lecture, le matériel utilisé pour ripper…il est purement informatif et permet de vérifier le travail de RIP. (action de copier les données d’un support CD/DVD sur un disque dur d’ordinateur)

Si votre dossier comporte un .cue, je vous recommande d’utiliser Exact Audio Copy EAC (pour Windows/Unix), qui est un logiciel gratuit et performant. Allez dans le menu « Tools » de EAC, puis « Write-CDR » puis « File » et enfin « Load Cue Sheet ». Si tout est correct, les titres passeront au vert et vous pourrez graver. (vous pouvez consulter mon billet complémentaire pour le paramétrage de Exact Audio Copy)

En cas d’erreur, c’est probablement les informations du fichier .cue qui ne correspondent pas aux nommage des morceaux présents sur le disque dur. Dans ce cas ouvrez le .cue avec un éditeur, (notepad)  et vérifiez la correspondance et l’extension des titres. Par exemple si l’extension est en .flac dans le .cue, rectifier par .wav.

Si vous n’avez pas le fichier .cue, vous pouvez toujours graver avec un logiciel comme NERO. (création d’un CD Audio) mais sans garantie d’avoir une image exacte de l’original. Vous aurez toutefois la qualité de son de l’original par contre le temps des pauses entre chaque morceaux pourrait différer.

Article complémentaire sur mon blog : Comment paramétrer EAC dans le but de réaliser un copie de votre CD original

C’est en 1828 que Jules Verne publia le « Voyage au centre de la terre », troisième de ses voyages extraordinaires qui furent à l’origine d’un genre alors nouveau: la science-fiction. Utilisant les dernières découvertes scientifiques, il imagine leur intrusion dans ses romans et la vie d’hommes aventureux.

Artiste, maître de son style, il l’est également de l’art de bâtir une intrigue. Un professeur et son neveu Axel, accompagnés d’un insulaire, utilisent, en Islande, le cratère d’un volcan éteint pour effectuer un voyage extravagant au centre de la terre.

Ils découvrent que celle-ci est une sorte de géode dont le fond est une mer immense peuplée de tous les monstres antédiluviens aujourd’hui disparus de la surface…

Passionnant et tellement crédible, d’autant que ce texte exceptionnel est lu par un Jean Desailly dans la plénitude de son art ; il n’a que trente-cinq ans lors de cet enregistrement. Sa diction impétueuse emporte l’auditeur au centre de la terre et persuade que ce voyage en rêve pourrait bien être réalité.

Personne ne croit plus le professeur Trevor Anderson lorsqu’il affirme être sur le point de faire une extraordinaire découverte. Ses hypothèses révolutionnaires l’ont mis au ban de la communauté scientifique. Pourtant, au cours d’une expédition en Islande, Trevor et son neveu, le jeune Sean, sous la conduite de leur guide islandaise Hannah, vont se retrouver plongés dans l’inconnu.

Dans leur périple vers les profondeurs de la Terre, ils rencontreront des mondes inexplorés, des merveilles extraordinaires, des dangers mortels et des créatures fabuleuses… Une seule chose est certaine : à 6 km sous la surface, tout peut arriver.

Lu par Jean Desailly

Nombre de CD: 3
Lien MU

verne_voyage_centre_terre

Alfons Maria Mucha (Alphonse Mucha) est né à Ivančice en Moravie du Sud le 24 juillet 1860 qui faisait alors partie de l’Empire austro-hongrois, désormais en République tchèque.

Peintre et dessinateur, il fut l’un des promoteurs de l’Art Nouveau en Europe, il connut le succès à Paris dés 1890 par la création d’affiches qui firent de lui le plus célèbre affichiste « Art Nouveau », notamment grâce à certaines de ses oeuvres les plus remarquables qu’il créa pour la célèbre artiste Sarah Bernhardt.

Il exécuta principalement des affiches représentant des femmes séduisantes aux chevelures flottantes et aux vêtements souples. Alphonse Mucha mourut le 14 juillet 1939.

Télécharger le pack de 110 images JPEG des affiches de Alphone Mucha. (75Mo)

Albrecht Dürer (1471-1528) était sans doute le premier artiste internationalement reconnu. Il était déjà  célèbre de son vivant, il a été salué par ses contemporains et décrit peu de temps après sa mort comme le « prince des peintres allemands ».

Dürer était remarqué par la maîtrise de sa technique de gravure sur bois et sur cuivre. Ses gravures ont été admirées dans toute l’Europe.

Albrecht Dürer travaillait beaucoup et réalisait de nombreux dessins préparatoires à des peintures ou gravures. Pour obtenir certains effets, il dessine sur du papier teinté ou préparé : papier brunâtre, bleuâtre, bleu, papier préparé vert (« la Passion Verte »), bleu, ivoire, rosé, ou encore sur du vélin. Le British Museum et le musée Albertina à Vienne possèdent la majorité des dessins et estampes de Dürer de toutes les étapes de sa carrière.

Voici quelques 47 reproductions de planches en haute définition de ses études et croquis. Le pack comporte en particulier un autoportrait réalisé lorsqu’il avait treize ans. C’est le plus ancien dessin de l’artiste à avoir survécu . Ce dessin est un des plus étonnants de Dürer car ayant pris conscience de  l’importance de son oeuvre à la fin de sa vie, il y a ajouté une inscription (traduite de l’allemand) : « J’ai fait ce portrait d’après moi-même, en me regardant dans un miroir, l’année 1484, quand j’étais encore un enfant. »

Pack (48 JPEG haute définition ~2500×1800px 138Mo)

Matthias Grünewald, né vers 1475 et décédé en 1528, est un peintre allemand représentant de la Renaissance dans l’Europe du Nord. C’est l’un des artistes les plus importants de l’histoire de l’art allemand.
Auteur du célèbre retable d’Issenheim (musée d’Unterlinden, Colmar), il est le contemporain de Hans Holbein (1465-1524), d’Albrecht Dürer (1471-1528), de Lucas Cranach (1472-1553), d’Albrecht Altdorfer (1480-1538).

Cet artiste s’appelait en réalité Matthias Gothardt Pictor (ou Neithardt) ou Mathis Nithart. Il naquit à Würzburg en Bavière vers 1475, car on ne le sait pas exactement. Les archives le localisent à Seligenstadt de 1501 à 1521 où il possédait un atelier.

Vers 1509, il devint peintre de cour de l’archevêque de Mayence et, dès la seconde décennie du siècle, il exécuta des commandes à Issenheim et à Aschaffenburg. En 1520, il assista au couronnement de l’empereur Charles Quint. À cause de ses sympathies protestantes, il dut quitter la principauté ecclésiastique, d’abord pour Francfort-sur-le-Main en 1526 puis à Halle où il mourut en 1528.

On lui attribue aujourd’hui dix œuvres dont plusieurs polyptyques et 35 dessins, répartis dans des collections européennes et américaines. Au contraire de beaucoup de ses contemporains, on ne connaît pas de gravures ni d’estampes de sa main. Sa première toile incontestée est l’émouvant Christ outragé (1503, Alte Pinakothek, Munich), qui est très proche de la peinture du gothique tardif dans la vallée du Rhin.

Entre 1512 et 1516, Grünewald peint son célèbre retable, un vaste et magnifique polyptyque à transformation, pour la commanderie des Antonins d’Issenheim, un village situé à une vingtaine de kilomètres de Colmar. Le polyptique a été commandité par Guy Guers, précepteur de la commanderie des Antonins de 1490 à 1516. La partie sculptée est due à Nicolas de Haguenau réalisée entre 1512 et 1516. Les peintures de Grünewald ont sans doute été exécutées à Strasbourg dans l’atelier de Nicolas de Haguenau.

Fondée vers 1300, l’ordre des Antonins avait pour vocation de soigner les malades atteints du feu sacré, une maladie provoquée par l’ergot de seigle, parasite de cette céréale qui provoquait une contraction des vaisseaux, des hallucinations et bien souvent des gangrènes. La nourriture saine et les soins apportés, les boissons à base de plantes calmantes, l’amputation des membres gangrénés assuraient la renommée et les revenus de cet ordre.

La commanderie d’Issenheim acquiert peu à peu une richesse considérable dont témoignent les nombreuses oeuvres d’art qu’elle a commandées et financées. Consacré à saint Antoine, le retable, destiné au choeur de l’église de la commanderie, figure parmi elles. Le retable participait sans doute aussi à la guérison des malades en offrant aux fidèles l’exemple de la souffrance du Christ et de Saint Antoine.

Le polyptyque est conservé dans cet établissement religieux jusqu’à la Révolution et pour empêcher sa destruction, est transporté à Colmar, en 1792, à la Bibliothèque Nationale du District.

En 1852 enfin, il est transféré dans l’église de l’ancien couvent des dominicaines d’Unterlinden, où il constitue le joyau du musée qui s’y organise alors.

Le retable d’Issenheim fascine et envoûte ceux qui l’ont contemplé au travers l’histoire. La technique éblouissante utilisée dans l’expressivité hallucinée des personnages, et par l’emploi et la richesse des couleurs, en font une oeuvre totalement exceptionnelle de l’histoire mondiale de la peinture.
Matthias Grünewald a été le précurseur de techniques, comme par exemple le soulignage des contours et des formes marquées par des traits noirs, ou l’accentuation des ombres et des textures.

Fermé, ce polyptique est centré sur la figure du Christ mort à la chair meurtrie, la Crucifixion. Les autres panneaux, la Résurrection, l’Annonciation, le Concert des Anges, la Tentation de saint Antoine et la Visite de saint Antoine à saint Paul font du retable d’Issenheim une oeuvre d’art totale.

Télécharger le pack d’images HQ (100Mo) des peintures et dessins de Matthias Grünenwald : ici

Extrait:

Littéralement ukiyo-e signifie images du monde image flottant  ou du temps qui passe. Il fut employé pour la première fois par l’écrivain Asai Ryôi en 1661. Le terme reprend en fait la notion bouddhiste de l’impermanence du monde visible, imprégnée de mélancolie poétique.

Il désigne ces images imprimées avec des planches de bois gravées (xylographie, estampes), produites entre le 17ème et le 20ème siècle, caractéristiques du développement de la vie citadine et de l’émergence d’une classe bourgeoise face aux classes religieuse et militaire, et de la noblesse qui constituèrent exclusivement, jusqu’alors, les sujets des arts picturaux japonais.

Les premiers ukiyo-e du 17ème siècle étaient imprimés en noir et blanc (sumizuri-e). Une seule planche de bois, reproduisant l’image en relief, était alors utilisée pour l’impression. Néanmoins, la demande pour la couleur s’est vite manifestée. Les premières « images du monde flottant » en couleur, qu’on désigne également par nishiki-e , étaient alors produites en finissant au pinceau des sumizuri-e, procédé fastidieux et qui rendait l’image très chère.

À cette époque, en effet, l’ukiyo-e n’était pas considéré comme de l’art raffiné. C’était plutôt de l’artisanat commercial. En fait la plupart des commandes provenaient des théâtres, des acteurs de Kabuki et de No pour leur publicité, et de particuliers pour des images de la vie citadine, de sumos et de geishas.

La nouvelle classe bourgeoise, les riches marchands, les banquiers des nobles et des samurai, même si certains pouvaient s’acheter des titres, n’acquéraient pour autant pas plus de droit politique ou social. Comme une revanche, ils devinrent les mécènes d’un art nouveau dont les sujets étaient empruntés à la vie quotidienne des gens des villes (chonin), dans lequel ils pouvaient se reconnaître.

Okomura Masanobu et Suzuki Harunobu sont les premiers à avoir introduit l’impression en couleur, en utilisant donc plusieurs planches de bois pour une même image, une pour chaque couleur. Ce n’est pas vraiment avant le début du 20ème siècle que l’ukiyo-e pris ses lettres de noblesse pour être finalement considéré comme une forme d’art « noble » à part entière motivant la constitution de collections d’originaux.

C’est notamment au travers de sa découverte par des artistes européens, que l’ukiyo-e commença à avoir cette reconnaissance. On notera en particulier l’attraction et même l’inspiration (le « japonisme ») suscitées par ces images du monde flottant chez les impressionnistes. (source http://www.oasies.com)

Pack de 20 images JPEG haute définition à télécharger ici (34Mo).

Martin Schongauer est né à Colmar en Alsace, alors province allemande, vers 1450 et décédé à Vieux-Brisach (Breisach) en 1491. C’était le peintre et graveur le plus illustre de son temps. Sa renommée s’étendait jusqu’en Italie et Pays-Bas, Michel-Ange et Cellini l’admiraient.

Albrecht Dürer est venu tout exprès à Colmar en 1492 pour rencontrer Martin Schongauer, malheureusement  au bout de son déplacement, il appris qu’il était décédé à Breisach l’année précédente. (il n’y avait pas encore le téléphone ni internet)

Fils de Gaspard Schongauer, un orfèvre colmarien ayant acquis le droit de bourgeoisie en 1445, le jeune Martin Schongauer étudia à l’université de Leipzig vers 1465 avant de suivre une formation itinérante dont on sait peu de choses, mis à part sa probable présence à Beaune, en Bourgogne, où il copia le Jugement dernier de Rogier van der Weyden en 1469.

Bien qu’il ait beaucoup peint, peu de ses toiles ont survécu. Parmi celles-ci, on peut citer:

Une Nativité (v. 1470, Alte Pinakothek, Munich),

La Vierge au buisson de roses, exécutée en 1473 pour la collégiale Saint-Martin à Colmar. Ce tableau considéré par beaucoup comme un chef d’œuvre de la peinture rhénane de tous les temps en raison de son caractère harmonieux, délicat et équilibré, et de la finesse de sa composition et de ses coloris. Les musées de Berlin, de Vienne en Autriche et de Munich possèdent quant à eux de petits tableaux, représentant eux-aussi des motifs religieux.

La Sainte Famille (1475-1480, Kunsthistorisches Museum, Vienne)

La Naissance du Christ (1480, Gemäldegalerie, Berlin)

Le retable des Dominicains (Musée d’Unterlinden , Colmar)

L’adoration des bergers (Staatlisches Museum , Berlin)

La Vierge à l’enfant (Kunstmuseum, Bâle).

Martin Schongauer exécute également les volets peints du retable d’Orlier (1465-1470) pour l’église du couvent des Antonins d’Issenheim, commandé par Jean d’Orlier, précepteur du couvent de 1464 à 1490 et actuellement exposé sous la tribune de la chapelle du musée d’Unterlinden à Colmar, et des fresques, dont le Jugement Dernier (1489-1491) de la cathédrale Saint-Étienne de Breisach qui est sa dernière œuvre, inachevée et très dégradée, mais qui n’en est pas moins impressionnante par ses grandes dimensions.

Mais Martin Schongauer était aussi connu pour avoir été l’un des plus grands graveurs d’Europe du Nord. Ses gravures sur cuivre, inspirées généralement de sujets religieux, sont caractérisées par un dessin très achevé, par leur richesse et par une grande finesse de détail.

L’artiste atteint une précision exceptionnelle dans le traitement des textures et des nuances entre ombre et lumière. Entre autres célèbres gravures, on peut évoquer la Mort de la Vierge et la Tentation de saint Antoine (1470-1475) peuplée de démons effrayants.

Vers 1475, il réalise un ensemble de douze gravures sur le thème de la Passion du Christ. Dans ce cycle, la Grande Montée au Calvaire offre un des plus beaux exemples de sa maîtrise de la composition et de l’expression. Vers 1490, Martin Schongauer crée un modèle d’Encensoir qui a été depuis maintes fois repris.

Bien qu’il fût l’élève d’un peintre alsacien (peut-être Gaspard Isenmann de Colmar), Martin Schongauer rapporta de ses voyages, qui l’emmenèrent jusqu’aux Pays-Bas, une connaissance approfondie de l’art flamand du XVe siècle qu’il intégra avec beaucoup de finesse à un style pictural joignant l’expressionisme et l’idéalisme du gothique international au naturalisme de la Renaissance nordique.

Martin Schongauer a été surnommé « le beau Martin » (Hübsch Martin: orthographes alternatives Hüpsch ou Hipsch, littéralement « joli Martin « ), en raison de la grâce et du fini de son travail, mais plus probablement encore en raison du raccourcissement de son patronyme en Martin Schön (schön = beau).

Le peintre Hans Burgkmair fut son élève entre 1488 et 1490.

Pack d’images des oeuvres de Martin Schöngauer à télécharger ici. (30 images JPEG)

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Vierge folle

Saint Jacques à la bataille de Clavijo. (cliquez pour agrandir)

Les Chinois considère la peinture comme une des six formes de la calligraphie. D’après la tradition, elle remonterait, à la plus haute antiquité. Le premier grand peintre chinois connu est Tsao Fou-king (IIIe siècle), qui a notamment exécuté des peintures pour les temples bouddhistes.

En Chine, la peinture portative est l’art par excellence. Sa technique et son support la rapprochent de l’écriture. Poèmes et dédicaces calligraphiés, cachets d’artistes ou de collectionneurs complètent souvent la représentation figurée.

Le peintre applique l’encre ou les couleurs diluées dans l’eau au pinceau, par un mouvement rapide et précis du poignet. Les oeuvres sont exécutées d’abord sur soie et à partir du XVe siècle, le plus souvent sur papier. Elles présentent divers aspects: rouleaux verticaux (shujuan), rouleaux horizontaux (zhou), feuilles d’album et éventails. Les sujets sont définis par la tradition, le paysage étant considéré comme le genre suprême.

Certaines périodes telles les Cinq Dynasties (907-960), les dynasties Song (960-1279) et Yuan (1279-1368) constituent pour les artistes contemporains une source sans cesse renouvelée d’inspiration.

A partir de 1902, les artistes chinois découvrent peu à peu la peinture occidentale, surtout après la fondation de l’Institut des Beaux Arts de Shanghai en 1912.

Voici le pack [3] comprenant 146 images en format JPEG haute définition de peintures et calligraphies chinoises antiques. Le Poids du pack est de 186Mo.

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