Une mine de richesses de vieux documents du monde entier, cartes géographiques antiques, estampes et gravures des vieux maîtres, etc.

A vous de découvrir et d’utiliser toutes les ressources mises à disposition y compris pour le blogueur comme vous …et moi !

Et c’est ici

La peinture chinoise classique est denommée en chinois 中国画 zhōngguó huà, peinture chinoise, ou 国画 guó huà, peinture du pays, en opposition à la peinture chinoise d’inspiration occidentale apparue au XIXe siècle. On peut la considérer comme une branche autonome de la calligraphie chinoise, dont elle partage le medium, fondé sur les quatre trésors du lettré : pinceau chinois, bâton d’encre, pierre à encre (pour moudre la pierre à encre et la mélanger à de l’eau) et papier de riz. (source chine-informations.com)

Elle se distingue d’autres genres de peinture chinoise, par exemple la peinture de fresques bouddhiques des cavernes de Dunhuang.

La peinture chinoise classique est constituée d’un ensemble de styles typiques de l’extrême-orient, et qui sont à l’origine des techniques de peintures que l’on trouve aussi en Corée et Japon.

Les genres en peinture chinoise

peintures de fleurs et oiseaux (花鸟画 huā niǎo huà)
peintures de paysages (山水画 shān shuǐ huà)
peintures de gens (人物画 rén wù huà)

En fonction de la technique

(工笔画 gōng bǐ huà)
(写意画 xiě yì huà)
(小写意画 xiǎo xiě yì huà)
(大写意画 dà xiě yì huà)
(重彩画 chóng cǎi huà)
lavis (水墨画 shuǐ mò huà)
dessin au trait (白描画 bái miáo huà)
(敦煌壁画 dūn huáng bì huà)

Histoire de la peinture chinoise

La peinture chinoise classique n’a émergé qu’après l’essor de la calligraphie chinoise sur papier de riz, dont elle est pour ainsi dire intégralement issue.

La peinture de paysages constitue le genre le plus « noble » de la peinture chinoise classique, ou s’y trament les conceptions micro et macro-cosmiques chinoises de l’univers. Ce n’est pas un art figuratif d’après modèle, mais plutôt le précipité de l’état d’esprit du peintre, qui se met au travail non sans avoir préalablement visité la montagne dépeinte.

Dans le cas de la peinture de paysages – « montagne et eau » en chinois, l’harmonie des éléments yin et yang, le jeu des consistances atmosphériques, des strates géologiques, des textures rendues en noir et blanc, ont pour fondement une appropriation expressionniste de la nature très éloignée de la mimésis, ou imitation formelle, de l’esthétique occidentale.

La conception confucéenne du monde transparaît également dans la peinture de paysages, ou les figures ou constructions humaines apparaissent en taille très réduite, située dans un cadre cosmologique complet.

Seules les peintures ayant pour sujet des végétaux, animaux ou humains introduisent ouvertement la couleur dans la peinture ; le thème des lettres en méditation ou en réunion (par exemple, les Sept sages de la forêt de bambou), ou encore du saint, sont des thèmes particuliers de ces peintures. Certains peintres sont spécialisés dans un thème en particulier : la peinture de chevaux (Xu Beihong ou Jupeon en français), de bambous, voire de crevettes.

Ce n’est que tardivement que des poèmes ou épitaphes ont été rajoutés directement sur les peintures, en particulier de paysages. Les œuvres les plus célèbres se caractérisent également par le nombre de sceaux à l’encre rouge désignant la liste des empereurs les ayant possédés au sein de la collection impériale, dont le destin a conduit la plus grande partie au Musée National du Palais de Taipei, Taiwan, suite à l’exil de l’armée du Guomindang.

La représentation de l’espace chinois, rejetant la perspective en point de fuite, a toutefois adopté dans les derniers siècles des representations de l’espace trigonométrique, notamment pour la représentation de villes.

Voici la suite de mes 3 précédents packs  (que vous trouvez sur mon blog), et qui contiennent des images haute définition en jpeg de quelques chefs d’oeuvre de la peinture chinoise.

Le pack 4.1 (138 images JPEG |  193 Mo)

Le pack 4.2 (126 images JPEG |  183 Mo)

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]]> http://www.deliciarum.info/22/01/2009/calligraphies-et-peintures-chinoises-dun-meme-pinceau-4/feed/ 1 http://www.deliciarum.info/30/11/2008/le-parc-creatif-de-canon-personnaliser-et-imprimer-en-samusant/ http://www.deliciarum.info/30/11/2008/le-parc-creatif-de-canon-personnaliser-et-imprimer-en-samusant/#comments Sun, 30 Nov 2008 22:20:04 +0000 le jardin des délices http://www.deliciarum.info/?p=5115 Voici un excellent site créatif qui vous permettra d’occuper vos enfants des journées entières, y compris vous-même. Creative Park est une boîte à outil pour créer et imprimer vos cartes de voeux, assembler des maquettes en papier d’engins terrestres ou volants, fabriquer un emballage cadeau, décorer sa maison et ses albums photo et bien plus encore.

Creative Park dispose d’une collection impressionnante de modèles à imprimer (patrons) qui peuvent tous être téléchargés gratuitement.

Vous y trouverez cartes d’anniversaire, cartes cadeaux et autres matériels qui peuvent être utilisés pour divers événements. Il y a également des boîtes cadeau élégantes et tout le nécessaire pour les enveloppes, la papeterie…

A voir aussi si vous êtes un spécialiste de la maquettes et des modèles en trois dimensions : vous y trouverez animaux, bâtiments et monuments célèbres du monde entier, avions, engins spatiaux, voitures, camions, châteaux, et bien plus encore.

Il y a aussi tout le matériel nécessaire pour faire du scrapbooking, faire de la décoration. 2009 approche, alors pourquoi ne pas fabriquer vous même le calendrier, décorer votre maison pour les fêtes.

Je vous laisse découvrir, en particulier le musée de l’architecture et le musée des sciences, c’est une vraie mine d’or pour les maquettistes et les enfants.

C’est ici

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Albrecht Dürer (1471-1528) était sans doute le premier artiste internationalement reconnu. Il était déjà  célèbre de son vivant, il a été salué par ses contemporains et décrit peu de temps après sa mort comme le « prince des peintres allemands ».

Dürer était remarqué par la maîtrise de sa technique de gravure sur bois et sur cuivre. Ses gravures ont été admirées dans toute l’Europe.

Albrecht Dürer travaillait beaucoup et réalisait de nombreux dessins préparatoires à des peintures ou gravures. Pour obtenir certains effets, il dessine sur du papier teinté ou préparé : papier brunâtre, bleuâtre, bleu, papier préparé vert (« la Passion Verte »), bleu, ivoire, rosé, ou encore sur du vélin. Le British Museum et le musée Albertina à Vienne possèdent la majorité des dessins et estampes de Dürer de toutes les étapes de sa carrière.

Voici quelques 47 reproductions de planches en haute définition de ses études et croquis. Le pack comporte en particulier un autoportrait réalisé lorsqu’il avait treize ans. C’est le plus ancien dessin de l’artiste à avoir survécu . Ce dessin est un des plus étonnants de Dürer car ayant pris conscience de  l’importance de son oeuvre à la fin de sa vie, il y a ajouté une inscription (traduite de l’allemand) : « J’ai fait ce portrait d’après moi-même, en me regardant dans un miroir, l’année 1484, quand j’étais encore un enfant. »

Pack (48 JPEG haute définition ~2500×1800px 138Mo)

L’Alsace est une région riche en traditions et légendes, en particulier à l’approche de Noël. Chaque année ces traditions sont plus ou moins respectées et rythment la vie des alsaciens. Le marché de Noël alsacien a acquit sa notoriété, notamment celui de Strasbourg.

La Couronne de l’Avent

L’histoire dit que c’est Johann Heinrich Wichern (1808-1881) qui a été à l’origine de la couronne. Éducateur et théologien de Hambourg, il avait recueilli des enfants très pauvres dans le Rauhe Haus, une vieille ferme et il s’occupait d’eux. Comme, pendant le temps de l’Avent, ils lui demandaient toujours quand Noël allait enfin arriver, il fabriqua en 1839 une couronne de bois, avec dix-neuf petits cierges rouges et quatre grands cierges blancs.

Chaque matin, un petit cierge de plus était allumé et, à chaque dimanche d’Avent, un grand cierge. La coutume n’a retenu que les grands cierges. Depuis 1860, l’année où est née officiellement la couronne de l’Avent, on utilise des branches de sapin ; depuis le début du XXe siècle, elle est devenue en Allemagne une des traditions de Noël. En Autriche, la coutume ne s’est introduite qu’après 1945. Cet usage allemand a été repris dans de nombreux pays y compris en France.

La Saint Nicolas

Saint Nicolas est fêté principalement dans l’est de la France (Lorraine et Alsace), le nord, la Belgique, le Luxembourg, l’Allemagne, la Hollande, l’Autriche et les Pays Bas. En Alsace, le culte de Saint Nicolas est resté important, près de 40 églises sont dédiées à Saint Nicolas. À Ottrott, il y a la chapelle du XIIe siècle Saint Nicolas.

À la Saint Nicolas, la tradition veut que les enfants qui furent sages durant toute l’année reçoivent du pain d’épice, (Le “Männele” en brioche fabriqué en particulier à Gertwiller entreprise Fortwenger) et que ceux qui n’auront pas fait figure d’enfants sages reçoivent des coups de martinet par le père fouettard.

Le mannele

Le Père Fouettard, qui accompagne Saint Nicolas, serait en fait le boucher de l’histoire. Pour lui faire regretter son méfait, ce dernier l’aurait condamné à l’accompagner lors de sa distribution de récompenses, en lui assignant la tâche de punir les enfants désobéissants.
La ville de Saint-Nicolas de Port en Lorraine abrite une relique du Saint depuis 1090.

Une des légendes de Saint Nicolas :
Ils étaient trois petits enfants
qui s’en allaient glaner aux champs.
Ils sont allés et tant venus
que sur le soir se sont perdus.
Ils sont allés chez le boucher :
-boucher, voudrais-tu nous loger ?

-Entrez, entrez, petits enfants,
Il y a de la place assurément.
Ils n’étaient pas sitôt entrés
que le boucher les a tués.
les a coupés en petits morceaux
et puis salés dans un tonneau.

Saint Nicolas au bout de sept ans
vint à passer dedans ce champ,
alla frapper chez le boucher :
-boucher, voudrais-tu me loger ?
-entrez, entrez Saint Nicolas.
Il y a de la place, il n’en manque pas.

Du petit salés je veux avoir
qu’il y a sept ans est au saloir.
Quand le boucher entendit ça,
bien vivement il se sauva.
Petits enfants qui dormez là,
je suis le grand Saint Nicolas.

Le grand Saint étendit trois doigts,
les trois enfants ressuscita.
Le premier dit : j’ai bien dormi.
Le second dit : et moi aussi.
Je me croyais au paradis
A ajouté le plus petit.

Le Christkindel, le père Fouettard ou Hans Trapp

Dans les légendes des Noëls d’Alsace, un trio se complète à merveille. Le « Hans Trapp » joue le rôle du méchant, Saint Nicolas, fidèle à son rôle de protecteur des enfants et le Chriskindel.

Ces trois personnages font également partie du mythe de Noël. S’Christkindel est une jeune femme douce, pleine de bonté, distribuant ses présents. Tout de blanc vêtu, elle représente la féerie des nombreuses légendes alsaciennes.

Le Père Noël

Son adresse est connue de tous :
Père Noël
1, chemin des nuages
Pôle Nord

Si tu habites hors de France, il vaut mieux lui écrire à l’adresse :
Père Noël
33500 Libourne
France

Si tu habites au Canada, voici l’adresse de son bureau :
Père Noël
Pôle Nord
H0H 0H0
Canada

Adresse électronique (email) du Père Noël

Le sapin

Au XIème siècle, l’arbre de noël, garni de pommes rouges et d’hosties, symbolisait l’arbre du paradis. C’est au XIIème siècle que la tradition du sapin est apparue en Europe, plus précisement en Alsace.

On le mentionne pour la première fois comme « arbre de noël » en Alsace en 1521 (voir le texte plus bas). Au XIVème siècle, les décorations étaient composées de pommes, de confiseries et de petits gâteaux. A cette même époque, l’étoile au sommet de l’arbre, symbole de l’étoile de Bethleem commença à se répandre. Ce sont les protestants en 1560 qui développèrent la tradition du sapin de noël pour se démarquer des catholiques.

Au XVIIème et XVIIIème siècle apparaissent les premiers sapins illuminés. On utilisait des coquilles de noix remplies d’huile à la surface desquelles des mêches flottaient ou des chandelles souples nouées autour des branches.

Une chronique de la ville de Sélestat écrite par Balthasar Beck en 1521 évoque le sapin de Noël. C’est l’une des plus anciennes traces de l’existence du sapin de Noël en Alsace voire en France. Ce texte décrit les traditions, les fêtes autour de ce sapin de Noël à Sélestat. Un passage en particulier précise comment il faut décorer le sapin (Meyen). Cliquez pour agrandir.

Une légende  de l’arbre de Noël
Il était un fois, en Allemagne, il y a très longtemps, un bûcheron. En rentrant chez lui, par une nuit d’hiver claire mais glaciale, l’homme fut ébahi par le merveilleux spectacle des étoiles qui brillaient à travers les branches d’un sapin recouvert de neige et de glace.
Pour expliquer à sa femme la beauté de ce qu’il venait de voir, le bûcheron coupa un petit sapin, l’apporta chez lui, et le couvrit de petites bougies allumées et de rubans.
Les petites bougies ressemblaient aux étoiles qu’il avait vues briller, et les rubans, à la neige et aux glaçons qui pendaient des branches.
Des gens virent l’arbre et s’en émerveillèrent tant, surtout les enfants, que bientôt chaque maison eut son arbre de Noël.

La crèche

« Crèche » signifie une mangeoire pour les animaux (cripia en latin). Selon l’évangile de Luc (2/7), Marie a déposé l’enfant Jésus dans la crèche de l’étable où Joseph et elle avaient trouvé refuge. Par extension, le mot désigne l’étable ou la grotte ou est né Jésus.

L’origine de la crèche de Noël remonte à St François d’Assise . En 1223 il organisa une scène vivante avant de célébrer la messe de Noël. Les premières crèches étaient vivantes. Peu à peu elles furent remplacées par des crèches de figurines.

Les personnages de la crèche de Noël sont ceux que l’on voit dans le récit de l’évangile de St Luc : l’enfant Jésus, Marie, Joseph, les bergers avec leurs moutons. L’Évangile ne mentionne ni bœuf ni âne autour de la crèche de Jésus. C’est là une invention tardive due au pseudo-évangile de Matthieu datant du VIIe siècle.
Pour représenter Noël, les protestants préfèrent le sapin qui symbolise l’arbre de vie, l’arbre du jardin d’Eden, du paradis d’Adam et Ève.

La nativité dans le Hortus Deliciarum XII e siècle

Calque original de Christian Maurice Engelhardt :

La nativité dans le Hortus Deliciarum XII e siècle

La nativité selon Gustave Doré

La messe de minuit

La tradition de célébrer une messe à minuit le 24 décembre remonterait au Vème siècle et son origine émanerait de la Provence.

La messe de minuit selon Gustave Doré (18??)

Les marchés de Noël

Les marchés de Noël sont la tradition de l’Alsace et apparaissent en même temps que le début de l’avent. Au début les marchés de Noël ne se faisaient que dans les grandes villes, actuellement ils s’étendent jusque dans nos campagnes. Ces derniers sont souvent animés par des crèches vivantes et les légendes de Noël.

On y trouve vin chaud, bredele de Noël, accessoires pour le sapin, crèches, santons, artisanat divers, jouets, sucrerie en tout genre.

Les premières traces des marchés de Noël remontent au XIVe siècle en Allemagne et en Alsace, sous l’appellation « Marché de Saint Nicolas ». Le premier document relatant un marché de Noël est daté de 1434 sous le règne de Frédéric II de Saxe, évoquant un « Striezelmarkt » qui a eu lieu à Dresde le lundi précédent Noël. Plus tard, la Réforme a perpétué la tradition en le rebaptisant « ChristKindlMarkt » (marché de l’Enfant Christ) pour lutter contre le culte des saints. Le marché de Noël de Strasbourg date de 1570, celui de Nuremberg de 1628.

Au XIXe siècle, le ChristKindelsmarkt se tenait au Frohnhof (place aux corvées) entre la cathédrale Notre-Dame de Strasbourg, le palais des Rohan de Strasbourg et le musée de l’Œuvre Notre-Dame (actuelle place du château) et avait lieu lieu 8 jours avant Noël et jusqu’à la messe de minuit.

Un important renouveau, considéré comme commercial, a eu lieu au milieu des années 1990. De nombreuses villes en Europe ont instauré leurs propre marché de Noël avec des chalets et parfois des attractions.

Les gourmandises de Noël

Les fameux bredele de Noël dont vous trouverez des recettes sur ce site , mais également les lekerle qui sont une espèce de pain d’épice et le fameux christstolle qui est le pain de Noël.
Pour les plus gourmands et les plus courageux, le foie gras maison et pour ceux qui ont soif la bière de Noël.

L’Epiphanie et les rois mages

Fêtée le 6 janvier, la venue des rois mages Gaspard, Melchior et Balthazar chargés des présents qui sont l’or, l’encens et la myrrhe reconnaissent par ce geste la naissance du messie.
L’Epiphanie devenue la fête des rois est symbolisée par une galette ou l’on cachera une fève afin de trouver le roi ou la reine de la journée. Une tradition très enfantine perdure, en effet c’est un enfant qui distribuera les parts de gâteau. Etant caché sous la table il n’aura pu voir où se trouve la fève et désignera l’heureux élu de chaque part.

L’histoire dit que Frédéric Barberousse fit transférer les reliques des 3 rois mages en 1164 à Cologne afin de les remettre à la cathédrale récemment reconstruite. Devenus ainsi les patrons de la cathédrale et partant de toute la cité, les rois mages y furent désormais vénérés comme des saints de l’Eglise d’Occident.

Le culte des rois mages se répand d’abord dans la vallée du Rhin et gagne notamment l’Alsace, où il se prolonge par des usages populaires : ainsi les tournées, à travers les rues des villes ou des villages, d’enfants ou de jeunes gens dont trois sont déguisés en rois et dont l’un porte une grande étoile de carton fixée au bout d’un bâton. Ces processions entonnaient des chants spécifiques et s’arrêtaient volontiers devant les maisons où il pouvait leur être distribué quelques pommes, noix ou fruits secs.

Quant à la galette  des rois, la tradition paraît être née vers la Renaissance au sein des milieux corporatifs rhénans, à une époque où les guildes urbaines assuraient un encadrement à la fois économique, social, religieux et même récréatif de la vie des compagnons de métiers. Les corporations ne manquaient pas de célébrer par des banquets les principales fêtes religieuses. Dans les locaux de réunion ou le vin et la bière ne manquaient pas, leurs membres pouvaient, loin de leurs foyers, se livrer à divers rituels de confraternité virile, par exemple élire bruyamment un roi de la fête ; et cet usage s’est tout naturellement cristallisé sur la fête si bien nommée des rois.

Dans le journal tenu par un compagnon verrier de Strasbourg, et retrouvé par un historien local à la fin du XIXe siècle, il apparait la date de 1625 qui constitue la première mention connue de la tradition de la galette des rois en Alsace, et peut-être du même coup dans le monde, tant il est vrai que l’Alsace fut pionnière en bien des domaines.

Le passage rédigé en vieil allemand régional: « Uff der heilige Dreikönigstag pflegen sie Königskuchen zu backen, und in einem jedwedern Kuchen steckt eine Bohne, und wer den dieselbige bekompt, der wird für ein König gehalten « . (Le jour des trois saints rois ils ont coutume de faire des gâteaux des rois ; dans chacun d’eux est cachée une fève, et celui qui la trouve est reconnu comme le roi).

Mais l’on se demandera peut-être, pourquoi employer une fève ? D’abord, un haricot durci caché dans un gâteau se remarque immanquablement à la morsure, tout en étant lui-même un produit comestible, ce qui ne serait pas le cas d’un caillou ou d’un objet métallique qui profanerait en quelque sorte la nourriture, et surtout présenterait beaucoup plus de risques de fracturer une dent. Ensuite. La consommation de fèves cuites était extrêmement courante en Alsace à l’époque, notamment au cours des banquets corporatifs, au point de donner lieu à une chanson satirique dite Bohnelied, « chant du haricot ».

Cette coutume de la galette des rois n’a donc guère varié depuis plusieurs siècles, si ce n’est que les pois secs ont été progressivement remplacés par des fèves en porcelaine, aux motifs variés et bien vite collectionnés, puis plus récemment par de petites figurines en matière plastique.

L’usage aurait cependant pu tomber en désuétude si les efforts de communication et de promotion des professionnels de la boulangerie-pâtisserie n’en avaient décidé autrement. Naguère confinée au seul jour de l’Epiphanie, c’est désormais de la fin décembre à la fin janvier que la galette des rois envahit les rayons des magasins spécialisés comme des supermarchés.

Par ailleurs, si elle demeure majoritairement une préparation de pâte feuilletée fourrée de frangipane, elle se décline de plus en plus en diverses autres spécialités sucrées ou salées, ainsi les galettes à la volaille, au boudin blanc ou au saumon.

Les rois mages selon une gravure de Gustave Doré

Dessin de Gustave Doré

Nouvel an

Matthias Grünewald, né vers 1475 et décédé en 1528, est un peintre allemand représentant de la Renaissance dans l’Europe du Nord. C’est l’un des artistes les plus importants de l’histoire de l’art allemand.
Auteur du célèbre retable d’Issenheim (musée d’Unterlinden, Colmar), il est le contemporain de Hans Holbein (1465-1524), d’Albrecht Dürer (1471-1528), de Lucas Cranach (1472-1553), d’Albrecht Altdorfer (1480-1538).

Cet artiste s’appelait en réalité Matthias Gothardt Pictor (ou Neithardt) ou Mathis Nithart. Il naquit à Würzburg en Bavière vers 1475, car on ne le sait pas exactement. Les archives le localisent à Seligenstadt de 1501 à 1521 où il possédait un atelier.

Vers 1509, il devint peintre de cour de l’archevêque de Mayence et, dès la seconde décennie du siècle, il exécuta des commandes à Issenheim et à Aschaffenburg. En 1520, il assista au couronnement de l’empereur Charles Quint. À cause de ses sympathies protestantes, il dut quitter la principauté ecclésiastique, d’abord pour Francfort-sur-le-Main en 1526 puis à Halle où il mourut en 1528.

On lui attribue aujourd’hui dix œuvres dont plusieurs polyptyques et 35 dessins, répartis dans des collections européennes et américaines. Au contraire de beaucoup de ses contemporains, on ne connaît pas de gravures ni d’estampes de sa main. Sa première toile incontestée est l’émouvant Christ outragé (1503, Alte Pinakothek, Munich), qui est très proche de la peinture du gothique tardif dans la vallée du Rhin.

Entre 1512 et 1516, Grünewald peint son célèbre retable, un vaste et magnifique polyptyque à transformation, pour la commanderie des Antonins d’Issenheim, un village situé à une vingtaine de kilomètres de Colmar. Le polyptique a été commandité par Guy Guers, précepteur de la commanderie des Antonins de 1490 à 1516. La partie sculptée est due à Nicolas de Haguenau réalisée entre 1512 et 1516. Les peintures de Grünewald ont sans doute été exécutées à Strasbourg dans l’atelier de Nicolas de Haguenau.

Fondée vers 1300, l’ordre des Antonins avait pour vocation de soigner les malades atteints du feu sacré, une maladie provoquée par l’ergot de seigle, parasite de cette céréale qui provoquait une contraction des vaisseaux, des hallucinations et bien souvent des gangrènes. La nourriture saine et les soins apportés, les boissons à base de plantes calmantes, l’amputation des membres gangrénés assuraient la renommée et les revenus de cet ordre.

La commanderie d’Issenheim acquiert peu à peu une richesse considérable dont témoignent les nombreuses oeuvres d’art qu’elle a commandées et financées. Consacré à saint Antoine, le retable, destiné au choeur de l’église de la commanderie, figure parmi elles. Le retable participait sans doute aussi à la guérison des malades en offrant aux fidèles l’exemple de la souffrance du Christ et de Saint Antoine.

Le polyptyque est conservé dans cet établissement religieux jusqu’à la Révolution et pour empêcher sa destruction, est transporté à Colmar, en 1792, à la Bibliothèque Nationale du District.

En 1852 enfin, il est transféré dans l’église de l’ancien couvent des dominicaines d’Unterlinden, où il constitue le joyau du musée qui s’y organise alors.

Le retable d’Issenheim fascine et envoûte ceux qui l’ont contemplé au travers l’histoire. La technique éblouissante utilisée dans l’expressivité hallucinée des personnages, et par l’emploi et la richesse des couleurs, en font une oeuvre totalement exceptionnelle de l’histoire mondiale de la peinture.
Matthias Grünewald a été le précurseur de techniques, comme par exemple le soulignage des contours et des formes marquées par des traits noirs, ou l’accentuation des ombres et des textures.

Fermé, ce polyptique est centré sur la figure du Christ mort à la chair meurtrie, la Crucifixion. Les autres panneaux, la Résurrection, l’Annonciation, le Concert des Anges, la Tentation de saint Antoine et la Visite de saint Antoine à saint Paul font du retable d’Issenheim une oeuvre d’art totale.

Télécharger le pack d’images HQ (100Mo) des peintures et dessins de Matthias Grünenwald : ici

Extrait:

Martin Schongauer est né à Colmar en Alsace, alors province allemande, vers 1450 et décédé à Vieux-Brisach (Breisach) en 1491. C’était le peintre et graveur le plus illustre de son temps. Sa renommée s’étendait jusqu’en Italie et Pays-Bas, Michel-Ange et Cellini l’admiraient.

Albrecht Dürer est venu tout exprès à Colmar en 1492 pour rencontrer Martin Schongauer, malheureusement  au bout de son déplacement, il appris qu’il était décédé à Breisach l’année précédente. (il n’y avait pas encore le téléphone ni internet)

Fils de Gaspard Schongauer, un orfèvre colmarien ayant acquis le droit de bourgeoisie en 1445, le jeune Martin Schongauer étudia à l’université de Leipzig vers 1465 avant de suivre une formation itinérante dont on sait peu de choses, mis à part sa probable présence à Beaune, en Bourgogne, où il copia le Jugement dernier de Rogier van der Weyden en 1469.

Bien qu’il ait beaucoup peint, peu de ses toiles ont survécu. Parmi celles-ci, on peut citer:

Une Nativité (v. 1470, Alte Pinakothek, Munich),

La Vierge au buisson de roses, exécutée en 1473 pour la collégiale Saint-Martin à Colmar. Ce tableau considéré par beaucoup comme un chef d’œuvre de la peinture rhénane de tous les temps en raison de son caractère harmonieux, délicat et équilibré, et de la finesse de sa composition et de ses coloris. Les musées de Berlin, de Vienne en Autriche et de Munich possèdent quant à eux de petits tableaux, représentant eux-aussi des motifs religieux.

La Sainte Famille (1475-1480, Kunsthistorisches Museum, Vienne)

La Naissance du Christ (1480, Gemäldegalerie, Berlin)

Le retable des Dominicains (Musée d’Unterlinden , Colmar)

L’adoration des bergers (Staatlisches Museum , Berlin)

La Vierge à l’enfant (Kunstmuseum, Bâle).

Martin Schongauer exécute également les volets peints du retable d’Orlier (1465-1470) pour l’église du couvent des Antonins d’Issenheim, commandé par Jean d’Orlier, précepteur du couvent de 1464 à 1490 et actuellement exposé sous la tribune de la chapelle du musée d’Unterlinden à Colmar, et des fresques, dont le Jugement Dernier (1489-1491) de la cathédrale Saint-Étienne de Breisach qui est sa dernière œuvre, inachevée et très dégradée, mais qui n’en est pas moins impressionnante par ses grandes dimensions.

Mais Martin Schongauer était aussi connu pour avoir été l’un des plus grands graveurs d’Europe du Nord. Ses gravures sur cuivre, inspirées généralement de sujets religieux, sont caractérisées par un dessin très achevé, par leur richesse et par une grande finesse de détail.

L’artiste atteint une précision exceptionnelle dans le traitement des textures et des nuances entre ombre et lumière. Entre autres célèbres gravures, on peut évoquer la Mort de la Vierge et la Tentation de saint Antoine (1470-1475) peuplée de démons effrayants.

Vers 1475, il réalise un ensemble de douze gravures sur le thème de la Passion du Christ. Dans ce cycle, la Grande Montée au Calvaire offre un des plus beaux exemples de sa maîtrise de la composition et de l’expression. Vers 1490, Martin Schongauer crée un modèle d’Encensoir qui a été depuis maintes fois repris.

Bien qu’il fût l’élève d’un peintre alsacien (peut-être Gaspard Isenmann de Colmar), Martin Schongauer rapporta de ses voyages, qui l’emmenèrent jusqu’aux Pays-Bas, une connaissance approfondie de l’art flamand du XVe siècle qu’il intégra avec beaucoup de finesse à un style pictural joignant l’expressionisme et l’idéalisme du gothique international au naturalisme de la Renaissance nordique.

Martin Schongauer a été surnommé « le beau Martin » (Hübsch Martin: orthographes alternatives Hüpsch ou Hipsch, littéralement « joli Martin « ), en raison de la grâce et du fini de son travail, mais plus probablement encore en raison du raccourcissement de son patronyme en Martin Schön (schön = beau).

Le peintre Hans Burgkmair fut son élève entre 1488 et 1490.

Pack d’images des oeuvres de Martin Schöngauer à télécharger ici. (30 images JPEG)

Lien secondaire

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Vierge folle

Saint Jacques à la bataille de Clavijo. (cliquez pour agrandir)

Écrits durant les années 1830, les « Contes drolatiques » est une œuvre unique dans la littérature du XIXe siècle. L’ouvrage que je vous propose en téléchargement en fin de billet est rehaussé par 425 gravures et vignettes de Gustave Doré.

Gustave Doré a laissé derrière lui une œuvre considérable en tant qu’illustrateur et peintre: 9850 illustrations, 68 titres de musique, 5 affiches, 51 lithographies originales, 54 lavis, 526 dessins, 283 aquarelles, 133 peintures, 45 sculptures.

En peinture, il réalisa une œuvre majeure avec Le Christ quittant le prétoire (1867-1872), un tableau mesurant 6 mètres de haut et 9 mètres de large. Ce tableau est exposé au musée d’art moderne et contemporain place Jean Arp à Strasbourg.

Abattu par les défaites françaises contre la Prusse et par les événements de la Commune (sans doute aussi par la disparition du hortus deliciarum), Doré s’installe à Londres où il passera toute l’année 1871. Sa mère meurt en mars 1881. Il ne s’en remettra pas. Le 14 Janvier 1883, il donne à ses amis un dîner fabuleux.
Sur la table, des roses blanches et des lilas blancs, comme pour un repas de deuil. A la fin du repas, il prononce une oraison funèbre. Il meurt 9 jours plus tard, le 23 Janvier 1883, emporté par une crise cardiaque.

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Lucien Jonas ( 1880-1947) étonna son époque par l’habileté de son crayon de dessinateur et celle de ses pinceaux de portraitiste et de décorateur mural.

Natif du Nord de la France, Lucien Jonas (1880-1947) débuta dans un style réaliste assez sombre et acquit sa notoriété grâce à des scènes de la mine. Entraîné dans la vie parisienne, il étendit ensuite son activité au portrait officiel ou mondain et s’adonna au décor mural, genre qu’il avait pratiqué avec succès dans de nombreux bâtiments publics de Valenciennes.

Il connaît le succès avec des décors muraux dans le style Art déco et réalise la décoration de nombreux édifices, notamment à Paris (maison des Centraux) et à Valenciennes (Hôtel de ville, Chambre de commerce).

La guerre a aussi été une grande source d’inspiration pour ce peintre, dont les oeuvres ont ornées les édifices publics.

En février 1915, il est agrée « Peintre militaire attaché au Musée de l’Armée ». De mission en mission, il parcourt le front, de la Belgique aux Vosges. En 1916, il est nommé peintre officiel de la Marine.

Le 6 juillet 1932, il est nommé Peintre de l’Air.

En 1933 c’est le début de la collaboration avec la banque de France pour la création de billets de banque.

En 1937, il réalise des décors pour l’Exposition Universelle de Paris.

En 1942, Lucien Jonas crée un important carton de tapisserie pour la Manufacture des Gobelins (PARIS 13) « Le travail pour la France ».

En 1943, Lucien Jonas offre 17 grandes compositions sur la vie de la Vierge à l’église espagnole de la rue de la Pompe à Paris (16ème).

Une grande partie de ses œuvres valenciennoises a été détruite par les bombardements qui frappèrent la ville en 1940. Toutefois, le fils de l’artiste, Jacques Jonas, a offert dans les années 2000 au musée de Valenciennes une centaine d’esquisses pour ses décorations murales ou de plafond.

Un de ses tableaux, représentant un mineur agenouillé portant une barrette et une lampe, a été choisi pour illustrer le timbre commémoratif intitulé « Hommage aux mineurs – Courrières 1906-2006 » pour le centenaire de la catastrophe minière, dite de Courrières.

Pack de 19 JPEG de dessins de Lucien Jonas

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Jeroen ou Hieronymus Van Aeken naît vers 1450 à ‘s Hertogen-bosch (Bois le Duc) au sein d’une grande famille d’artistes, se consacrant notamment à la peinture à fresques et la dorure de statues. Il sera formé dans l’atelier familial et prendra par la suite le pseudonyme de Bosch, emprunté à son pays natal, afin de se différencier des autres membres de sa famille.

Epousant en 1480 une fille de riche aristocrate, il est accueilli comme « membre notable » par la confrérie Notre-Dame, association religieuse consacrée au culte de la Vierge, dont il devient naturellement le peintre attitré. Sa vie à Bois le Duc se déroule alors paisiblement entre sa femme, son atelier et la confrérie, ce qui n’empêchera pas sa renommée de s’étendre bien au delà des frontières de son pays natal.

C’est dans ses lectures et dans l’atmosphère d’hérésie et de mysticisme régnant alors, que Bosch puise une inspiration nouvelle, qui lui fait délaisser l’iconographie traditionnelle de ses débuts, pour s’orienter vers des œuvres « sacrilèges » où le religieux se confronte au pêché et à la damnation.

L’enfer se mêle au paradis, et le satirique à la morale. On y voit sa préoccupation pour l’humanité corrompue condamnée à l’enfer éternel (triptyque du Chariot de foin v. 1500, Musée du Prado, Madrid) pour avoir tourné le dos à la loi divine. L’obsession du pêché s’illustre dans les sept pêchés capitaux (1475-80, Musée du Prado, Madrid), la Nef des fous (1490-1500, Musée du Louvre, Paris), le triptyque Jardin des délices terrestres, v.1503-04 (Musée du Prado, Madrid), allégorie fantastique complexe, composition de personnages et d’animaux hybrides, comportant de nombreuses références à l’alchimie. Le triptyque Jardin des délices est sans doute l’œuvre la plus connue du grand public de ce peintre.

Le voyage de Bosch à Venise au début du XVIème siècle, donne une nouvelle dimension à sa créativité, on remarque plus d’espace et de paysages dans Saint-Jean à Pathmos (1504-05, Berlin, Gemäldegalerie), Saint-Jérôme en prière (v. 1505, Gand, musée des Beaux-Arts) ou la Tentation de Saint Antoine (1510, Madrid, Musée du Prado), œuvres qui montrent l’exemple de la vie des saints comme unique voie de salut.

Vers 1510 apparaît une nouvelle évolution avec les tableaux « à demi-figures », représentations de personnages à mi-corps, placés au premier plan (le couronnement d’épines, 1510, Madrid Escorial).

Les œuvres de Bosch n’étant pas datées (une description de ses œuvres par un aristocrate espagnol a toutefois permis de les identifier), on pense que nombre des peintures portant sa signature ont pu être réalisées par ses successeurs, admirateurs de son œuvre. Bruegel l’Ancien saura en pénétrer le sens et en fera la base de sa propre création.

Jérôme Bosch ne peint que sur du bois et d’ailleurs il faut retourner ses tableaux pour découvrir des trésors cachés ! Au revers des ‘Jardins des délices’, triptyque réalisé vers 1480-1490, se trouve représentée la création du monde, (1ere image ci-dessous) représentant avec une forte poésie l’émergence d’un globe terrestre du noir néant.

(Vous pourriez penser que le nom de mon blog est inspiré de cette œuvre…eeh ben non…il existe une autre « œuvre d’art »  appelée « Le jardin des délices » ou « hortus deliciarum » qui est un manuscrit médiéval disparu en 1870. J’ai d’ailleurs prévu de faire un billet sur cet incunable qui n’a malheureusement pas survécu à la bêtise humaine. En attendant, vous pouvez voir quelques photos de calques ou copies de calques dans le billet intitulé « la Bibliothèque André Malraux de Strasbourg ». Utilisez pour cela le moteur de recherche de mon blog.)

Reprenons…Dans le Jardin des délices (panneau central 220 × 195 cm ; panneaux latéraux 220 × 97 cm, musée du Prado, Madrid), œuvre aux tonalités chaudes et de couleurs vives, il témoigne de la crainte permanente de la damnation de l’âme et du châtiment de l’enfer. Il y illustre les péchés et châtiments infernaux dans des scènes excessivement riches en personnages, détails, objets énigmatiques et monstres, où s’exprime une imagination débordante et inquiétante à la fois.

À la création du monde (la Genèse), évoquée en grisaille sur le revers des volets, succède sur les trois faces la représentation des perversions humaines : la tentation, le péché, la mort et le jugement dernier.
Sur le panneau de gauche, Jérôme Bosch dépeint le Paradis où se tiennent Adam et Ève. La fontaine de la Connaissance et l’arbre du Bien et du Mal — où se love le serpent — annoncent le péché originel. Des animaux exotiques (éléphant, girafe) côtoient des animaux fabuleux, notamment la licorne (figuration du Christ dans l’iconographie religieuse).

Les plaisirs représentés sur le panneau central, appelé le Jardin des délices, évoquent une humanité dépourvue de conscience morale. La fontaine de Jouvence et l’œuf (symbole de l’enfance) suggèrent l’état originel, alors que le reste de la composition est consacré aux vices, annoncés par une armée d’hommes-poissons.

Dans la partie médiane, des cavaliers accompagnés d’animaux (les vices) entourent un bassin (la lascivité) dans lequel se baignent des femmes blanches et noires (la tentation).

Le registre inférieur représente le lac et le jardin de l’amour. Des couples s’y enlacent ou dévorent des fruits, symboles sexuels. Inconstance (la bulle de cristal craquelée, le papillon), copulation (les coquilles de moules), adultère et homosexualité, mort et péché (le hibou et le martin-pêcheur) sont évoqués. En bas à droite, saint Jean-Baptiste annonce à Ève la venue du Sauveur.

Dans l’Enfer peint sur le panneau de droite, de sombres guerres poussent les condamnés vers leur châtiment (à l’arrière-plan). Le panneau fourmille de personnages hybrides, s’exhibant dans les positions ou contorsions les plus extravagantes : une truie est affublée d’une coiffe de religieuse (en bas, à droite) ; un énigmatique « homme-arbre » accueille une taverne dans son torse en forme d’œuf et, sur sa tête, un cœur transformé en cornemuse (au centre de la composition) ; plus loin, deux oreilles démesurées sont tranchées par un couteau, etc.

Une iconographie très stricte sert, là encore, la dénonciation des péchés : l’appât du gain signifié par la table de jeu renversée, l’ivrognerie par la taverne installée dans l’estomac du monstre, la luxure par un couple attaché à une harpe et un luth, ou la perversion (un homme chevauchant une femme). Présidant la scène infernale et sulfureuse, un monstre à tête d’oiseau avale les damnés qu’il expulse ensuite, tels des excréments. (sources : wikipedia, msn encarta)

Je vous propose un pack de 112 images JPEG reproduisant ses peintures. A télécharger  (15 Mo) :  Lien

Enfin, je vous rappelle cette excellente galerie virtuelle ou de nombreux peintres et graveurs sont exposés, en particulier les peintures et les dessins de Jérôme Bosch : c’est ici

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