Voici quelques reproductions (à télécharger) de peintures d’artistes de la belle époque (1890-1900) qui ont ont fixé sur leurs toiles la vie de Paris : les parisiens dans la rue ou les bistrots, les avenues, monuments et  immeubles.

Ces peintures, aquarelles ou lithographies sont de précieux documentaires de cette fabuleuse époque à l’instar des photographies d’Eugène Adget.

La liste des artistes peintres de cette époque est  trop longue mais citons tout de même les plus connus : Eugène Galien-Laloue (1854 – 1941),  Jean Béraud (1849 – 1936), Edouard-Léon Cortes (1882 – 1969), Luigi Loir (1845 – 1916), Tavik Frantisek Šimon (T. F. Šimon) (1877 – 1942)  ou encore Antoine Blanchard (1910-1988) qui a reproduit et peint des scènes du Paris des années 1900.

Pack de 317 images JPEG HD à télécharger ici (175Mo)

échantillon du pack:

Il y a maintenant 100 ans, jour pour jour, Paris a connu sa plus importante inondation du XXème siècle. Seule la montée des eaux de 1658 a dépassé le niveau de 1910.

Après 3 mois de précipitations intenses qui ont eu lieu du 28 Novembre 1909 au 09 décembre 1909 et du 15 au 31 décembre 1909 suivies d’une période de pluie et de neige dès le 09 janvier 1910, les sols gorgés d’eau étaient saturées et ont provoqué, dès la mi-janvier, une montée rapide et spectaculaire des eaux de la Seine.

Pendant 9 jours, une crue très importante de la haute Seine et de la Marne qui, ne pouvant s’écouler, envahit Paris et sa banlieue.

Le 28/01/1910 le niveau d’eau atteint son maximum. La hauteur fut de 8,62 mètres à Paris, presque à la barbe de Zouave du pont de l’Alma, soit 6 mètres au-dessus de la cote d’alerte et 39,62 mètres à Gournay sur Marne.

Près de 500 hectares au centre de Paris sont envahis par les eaux, près de 20 000 immeubles sont touchés et plus de 150 000 habitants sinistrés. L’eau a paralysé la ville, la majorité des grandes usines étaient arrêtées, le métro et les liaisons ferroviaires étaient coupés…

Une telle crue se produirait en moyenne tous les 100 ans. A quand la prochaine,  En 2011 ?

Télécharger le pack de cartes postales et photos (150 images HD, 102Mo)

Voir aussi : Lefigaro

L’expo virtuelle officielle par la ville de Paris

Extrait:

La flèche de la tour Eiffel est aujourd’hui hissée à 320,75 mètres depuis l’adjonction de la tour de télévision. Détestée au départ par les écrivains et les artistes, la tour a survécu à l’exposition universelle dont elle ne devait être que l’ornement éphémère.

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En 1889, la III ième République célèbre le premier centenaire de la Révolution française. Cet anniversaire est chargé de trop de symboles historiques et politiques pour que la cérémonie soit réalisée à l’économie !
Bien au contraire, il est décidé d’organiser une exposition universelle, alors que les dernières ne datent que de 1855, 1867 et 1878 .

(cliquez sur l’image pour l’agrandir)

Cette dernière avait légué à Paris le Palais du Trocadéro. Il faut donc que celle de 1889 se distingue par un ouvrage colossal, preuve de la puissance de la nation.

Gustave Eiffel n’était pas un inconnu. Il avait déjà à son actif le viaduc de Garabit (Cantal) ainsi que la structure interne de la statue de la Liberté. Cependant, la paternité de la tour revient à l’architecte Stephen Sauvestre.

En effet, le plan initial a été créé par deux ingénieurs du cabinet de G.Eiffel, Koechlin et Nouguier. En revanche, G.Eiffel a su comprendre l’intérêt d’un tel projet et le mettre en œuvre. Il a donc acheté le brevet à ses collaborateurs puis a fait faire une étude sur toutes les possibilités du matériau.

G.Eiffel n’est pas architecte mais dirige un atelier de construction métallique qui fournit des ouvrages d’art pour le monde entier. Ses différentes réalisations dont le pont de Porto ont fait de lui une célébrité de l’architecture métallique moderne, où le maximum de résistance est obtenu avec un minimum de poids.

La tour n’a jamais dépassée le poids de 11 000 tonnes, soit une pression d’environ 4 kilos par centimètre carré. Initialement, la tour présentée à l’exposition universelle fait 300 mètres de haut. Le chantier s’est ouvert le 16 janvier 1887. En deux ans, 15 000 pièces métalliques pesant au total 7 000 tonnes ont été montées, retenues entre elles par 2 millions et demi de rivets.

M. G Eiffel au sommet de la tour en1889 (à gauche)

L’édifice est achevé le 31 mars 1889. Son premier étage se situe à 57 mètres de haut, le second à 115 mètres, le troisième à 274 mètres. Sur la troisième plate-forme, G.Eiffel fait installer un appartement privé. Il aime y travailler ou y recevoir des amis. L’histoire ne dit pas s’ils appréciaient de monter les 1 802 marches !

Le palais des machines

La tour Eiffel restera le plus haut édifice du monde jusqu’en 1930, date de la construction du Chrysler Building à New York. Son premier visiteur officiel a été le Prince de Galles, futur Edouard VII. Conçue pour recevoir 10 000 personnes, la tour est nantie au premier étage de quatre restaurants dont les recettes assurèrent la rentabilité de l’édifice.

Lors de l’exposition universelle, les attractions présentées par les 60 596 exposants sont visitées par 33 millions de personnes. Outre la Tour Eiffel, on peut y admirer la galerie des Machines et le dôme central, merveilles de la nouvelle architecture de fer. Le palais des machines

Le dôme central

Il faut souligner que l’inventeur de l’architecture métallique est Joseph Paxton, un Britannique. Il a construit en 1851 à Londres un hall d’exposition nommé Crystal Palace qui fut détruit accidentellement en 1936.

Cet édifice de 562 m de long était le prototype des bâtiments de fer. Malgré le succès de la Tour, les adversaires de cette « abomination moderniste » ne désarment pas. Parmi eux, citons le romancier Huysmans ou Paul Verlaine. Le projet de sa destruction revient en force dès 1910, date d’expiration de la concession.

Mais, une fois encore G. Eiffel se montre le plus malin. Il démontre l’utilité scientifique d’un observatoire météorologique qui sera unique dans le monde. Quelques années après 1889, le règne du fer s’achève, vaincu par l’acier, plus solide. L’âge des gratte-ciel commence.

L’un deux, l’Empire State Building deviendra le bâtiment le plus haut du monde. Quand à G.Eiffel, il sera condamné avec de Lesseps au procès du « scandale de Panama » en 1893.

Cependant, ce qui ne devait être qu’un pari fou est devenu le symbole de toute une nation. Cette tour est devenue l’un des monuments les plus visités d’Europe. Ses proportions sont les suivantes :

• Composition : 18 038 pièces métalliques, 2 500 000 rivets
• Poids de la charpente métallique : 7 300 tonnes Poids total : 10 100 tonnes
• Hauteur : 324 m (hauteur avec antenne)
• Coordonnées géographiques : Latitude : 48º 51′ 32″ Nord, Longitude : 002º 17′ 45″ Est
• Nombre de marches : 1665

Les visiteurs peuvent faire l’ascension de la Tour Eiffel par les escaliers ou par des ascenseurs. Les escaliers ouverts au public montent jusqu’au 2e étage (115 m). Il subsiste deux restaurants : Altitude 95 et Le Jules Verne. Le premier étage a été transformé en un immense espace de distraction ou de multiples animations sont organisées.

source partielle : terra nova

Site officiel de la tour Eiffel

Quelques photos et plans de la BNF

Les expositions universelles à Paris de 1867 à 1900

En 1926, Vous n’étiez sans doute pas encore né et pourtant les touristes, euh pardon, les visiteurs visitaient déjà la capitale puisqu’on a pensé à eux en imprimant un guide avec les principaux monuments ! La fameuse tour  Eiffel , nommée tout simplement « Tour de 300m » sur la carte avait-elle déjà le succès que l’on connait aujourd’hui ?

Le périph n’existait pas encore. Le métro était encore en partie en chantier. Il y avait une ligne de chemin de fer électrique Nord Sud (tracé en bleu sur la carte), sans doute ce qui allait préfigurer le RER, dont la première ligne a été inaugurée en 1977. (ligne A)

A télécharger ici.

Alfons Maria Mucha (Alphonse Mucha) est né à Ivančice en Moravie du Sud le 24 juillet 1860 qui faisait alors partie de l’Empire austro-hongrois, désormais en République tchèque.

Peintre et dessinateur, il fut l’un des promoteurs de l’Art Nouveau en Europe, il connut le succès à Paris dés 1890 par la création d’affiches qui firent de lui le plus célèbre affichiste « Art Nouveau », notamment grâce à certaines de ses oeuvres les plus remarquables qu’il créa pour la célèbre artiste Sarah Bernhardt.

Il exécuta principalement des affiches représentant des femmes séduisantes aux chevelures flottantes et aux vêtements souples. Alphonse Mucha mourut le 14 juillet 1939.

Télécharger le pack de 110 images JPEG des affiches de Alphone Mucha. (75Mo)

Un cadeau pour ce 11 novembre !  Une carte satellite de Paris en très haute définition. Attention au téléchargement, le fichier pèse près de 82Mo.

Les caractéristiques de cette carte sont :

• 17000 x12880 px
• 216 Millions de pixels
• Echelle :  1cm pour 25m
• Format Jpeg

Et c’est à télécharger ici.

On a coutume de dire qu’elle comporte deux héros : d’une part le mécanicien Jacques Lantier, de l’autre sa locomotive, la Lison, que Lantier aime comme une femme.

Outre son aspect documentaire, La Bête humaine est un roman noir, sorte de thriller du xixe siècle; c’est aussi un roman sur l’hérédité, Jacques souffrant d’une folie homicide que Zola rattache à l’alcoolisme des Macquart.

Il est en effet le fils de Gervaise Macquart et d’Auguste Lantier (L’Assommoir). Il éprouve depuis l’enfance des douleurs qui lui traversent le crâne. Ces douleurs continuent à la puberté, s’accompagnant de pulsions meurtrières auxquelles il n’arrivera jamais à échapper vraiment : le désir physique d’une femme s’accompagne chez lui d’un irrésistible besoin de la tuer.

Sur le point de posséder sa cousine Flore, il préfère s’enfuir car il s’apprêtait à la tuer. Plus tard, il arrive quand même à devenir l’amant de Séverine Roubaud, mais un beau jour la bête reprendra le dessus en lui, et il finira par massacrer sa maîtresse.

Émile Zola, né à Paris le 2 avril 1840, mort à Paris le 29 septembre 1902, est un écrivain, journaliste et homme public français, considéré comme le chef de file du naturalisme.

C’est l’un des romanciers français les plus universellement populaires, l’un des plus publiés et traduits au monde. Ses romans ont connu de très nombreuses adaptations au cinéma et à la télévision. Sa vie et son œuvre ont fait l’objet de nombreuses études historiques. Sur le plan littéraire, il est principalement connu pour Les Rougon-Macquart, fresque romanesque en vingt volumes dépeignant la société française sous le Second Empire.

Les dernières années de sa vie ont été marquées par son engagement dans l’affaire Dreyfus avec la publication en janvier 1898, dans le quotidien L’Aurore, de l’article intitulé « J’accuse ! » qui lui a valu un procès pour diffamation et un exil à Londres.

Emile Zola : La bête humaine

Interprété par Eric Herson-Macarel

Durée : 12h19mn

Format : Mp3 128 Kbps

Archive: 678,3 Mo |RAR (6X97,7 Mo + 92,2)

Liens: Dossier RS

Lucien Jonas ( 1880-1947) étonna son époque par l’habileté de son crayon de dessinateur et celle de ses pinceaux de portraitiste et de décorateur mural.

Natif du Nord de la France, Lucien Jonas (1880-1947) débuta dans un style réaliste assez sombre et acquit sa notoriété grâce à des scènes de la mine. Entraîné dans la vie parisienne, il étendit ensuite son activité au portrait officiel ou mondain et s’adonna au décor mural, genre qu’il avait pratiqué avec succès dans de nombreux bâtiments publics de Valenciennes.

Il connaît le succès avec des décors muraux dans le style Art déco et réalise la décoration de nombreux édifices, notamment à Paris (maison des Centraux) et à Valenciennes (Hôtel de ville, Chambre de commerce).

La guerre a aussi été une grande source d’inspiration pour ce peintre, dont les oeuvres ont ornées les édifices publics.

En février 1915, il est agrée « Peintre militaire attaché au Musée de l’Armée ». De mission en mission, il parcourt le front, de la Belgique aux Vosges. En 1916, il est nommé peintre officiel de la Marine.

Le 6 juillet 1932, il est nommé Peintre de l’Air.

En 1933 c’est le début de la collaboration avec la banque de France pour la création de billets de banque.

En 1937, il réalise des décors pour l’Exposition Universelle de Paris.

En 1942, Lucien Jonas crée un important carton de tapisserie pour la Manufacture des Gobelins (PARIS 13) « Le travail pour la France ».

En 1943, Lucien Jonas offre 17 grandes compositions sur la vie de la Vierge à l’église espagnole de la rue de la Pompe à Paris (16ème).

Une grande partie de ses œuvres valenciennoises a été détruite par les bombardements qui frappèrent la ville en 1940. Toutefois, le fils de l’artiste, Jacques Jonas, a offert dans les années 2000 au musée de Valenciennes une centaine d’esquisses pour ses décorations murales ou de plafond.

Un de ses tableaux, représentant un mineur agenouillé portant une barrette et une lampe, a été choisi pour illustrer le timbre commémoratif intitulé « Hommage aux mineurs – Courrières 1906-2006 » pour le centenaire de la catastrophe minière, dite de Courrières.

Pack de 19 JPEG de dessins de Lucien Jonas

cliquez pour agrandir

Jeroen ou Hieronymus Van Aeken naît vers 1450 à ‘s Hertogen-bosch (Bois le Duc) au sein d’une grande famille d’artistes, se consacrant notamment à la peinture à fresques et la dorure de statues. Il sera formé dans l’atelier familial et prendra par la suite le pseudonyme de Bosch, emprunté à son pays natal, afin de se différencier des autres membres de sa famille.

Epousant en 1480 une fille de riche aristocrate, il est accueilli comme « membre notable » par la confrérie Notre-Dame, association religieuse consacrée au culte de la Vierge, dont il devient naturellement le peintre attitré. Sa vie à Bois le Duc se déroule alors paisiblement entre sa femme, son atelier et la confrérie, ce qui n’empêchera pas sa renommée de s’étendre bien au delà des frontières de son pays natal.

C’est dans ses lectures et dans l’atmosphère d’hérésie et de mysticisme régnant alors, que Bosch puise une inspiration nouvelle, qui lui fait délaisser l’iconographie traditionnelle de ses débuts, pour s’orienter vers des œuvres « sacrilèges » où le religieux se confronte au pêché et à la damnation.

L’enfer se mêle au paradis, et le satirique à la morale. On y voit sa préoccupation pour l’humanité corrompue condamnée à l’enfer éternel (triptyque du Chariot de foin v. 1500, Musée du Prado, Madrid) pour avoir tourné le dos à la loi divine. L’obsession du pêché s’illustre dans les sept pêchés capitaux (1475-80, Musée du Prado, Madrid), la Nef des fous (1490-1500, Musée du Louvre, Paris), le triptyque Jardin des délices terrestres, v.1503-04 (Musée du Prado, Madrid), allégorie fantastique complexe, composition de personnages et d’animaux hybrides, comportant de nombreuses références à l’alchimie. Le triptyque Jardin des délices est sans doute l’œuvre la plus connue du grand public de ce peintre.

Le voyage de Bosch à Venise au début du XVIème siècle, donne une nouvelle dimension à sa créativité, on remarque plus d’espace et de paysages dans Saint-Jean à Pathmos (1504-05, Berlin, Gemäldegalerie), Saint-Jérôme en prière (v. 1505, Gand, musée des Beaux-Arts) ou la Tentation de Saint Antoine (1510, Madrid, Musée du Prado), œuvres qui montrent l’exemple de la vie des saints comme unique voie de salut.

Vers 1510 apparaît une nouvelle évolution avec les tableaux « à demi-figures », représentations de personnages à mi-corps, placés au premier plan (le couronnement d’épines, 1510, Madrid Escorial).

Les œuvres de Bosch n’étant pas datées (une description de ses œuvres par un aristocrate espagnol a toutefois permis de les identifier), on pense que nombre des peintures portant sa signature ont pu être réalisées par ses successeurs, admirateurs de son œuvre. Bruegel l’Ancien saura en pénétrer le sens et en fera la base de sa propre création.

Jérôme Bosch ne peint que sur du bois et d’ailleurs il faut retourner ses tableaux pour découvrir des trésors cachés ! Au revers des ‘Jardins des délices’, triptyque réalisé vers 1480-1490, se trouve représentée la création du monde, (1ere image ci-dessous) représentant avec une forte poésie l’émergence d’un globe terrestre du noir néant.

(Vous pourriez penser que le nom de mon blog est inspiré de cette œuvre…eeh ben non…il existe une autre « œuvre d’art »  appelée « Le jardin des délices » ou « hortus deliciarum » qui est un manuscrit médiéval disparu en 1870. J’ai d’ailleurs prévu de faire un billet sur cet incunable qui n’a malheureusement pas survécu à la bêtise humaine. En attendant, vous pouvez voir quelques photos de calques ou copies de calques dans le billet intitulé « la Bibliothèque André Malraux de Strasbourg ». Utilisez pour cela le moteur de recherche de mon blog.)

Reprenons…Dans le Jardin des délices (panneau central 220 × 195 cm ; panneaux latéraux 220 × 97 cm, musée du Prado, Madrid), œuvre aux tonalités chaudes et de couleurs vives, il témoigne de la crainte permanente de la damnation de l’âme et du châtiment de l’enfer. Il y illustre les péchés et châtiments infernaux dans des scènes excessivement riches en personnages, détails, objets énigmatiques et monstres, où s’exprime une imagination débordante et inquiétante à la fois.

À la création du monde (la Genèse), évoquée en grisaille sur le revers des volets, succède sur les trois faces la représentation des perversions humaines : la tentation, le péché, la mort et le jugement dernier.
Sur le panneau de gauche, Jérôme Bosch dépeint le Paradis où se tiennent Adam et Ève. La fontaine de la Connaissance et l’arbre du Bien et du Mal — où se love le serpent — annoncent le péché originel. Des animaux exotiques (éléphant, girafe) côtoient des animaux fabuleux, notamment la licorne (figuration du Christ dans l’iconographie religieuse).

Les plaisirs représentés sur le panneau central, appelé le Jardin des délices, évoquent une humanité dépourvue de conscience morale. La fontaine de Jouvence et l’œuf (symbole de l’enfance) suggèrent l’état originel, alors que le reste de la composition est consacré aux vices, annoncés par une armée d’hommes-poissons.

Dans la partie médiane, des cavaliers accompagnés d’animaux (les vices) entourent un bassin (la lascivité) dans lequel se baignent des femmes blanches et noires (la tentation).

Le registre inférieur représente le lac et le jardin de l’amour. Des couples s’y enlacent ou dévorent des fruits, symboles sexuels. Inconstance (la bulle de cristal craquelée, le papillon), copulation (les coquilles de moules), adultère et homosexualité, mort et péché (le hibou et le martin-pêcheur) sont évoqués. En bas à droite, saint Jean-Baptiste annonce à Ève la venue du Sauveur.

Dans l’Enfer peint sur le panneau de droite, de sombres guerres poussent les condamnés vers leur châtiment (à l’arrière-plan). Le panneau fourmille de personnages hybrides, s’exhibant dans les positions ou contorsions les plus extravagantes : une truie est affublée d’une coiffe de religieuse (en bas, à droite) ; un énigmatique « homme-arbre » accueille une taverne dans son torse en forme d’œuf et, sur sa tête, un cœur transformé en cornemuse (au centre de la composition) ; plus loin, deux oreilles démesurées sont tranchées par un couteau, etc.

Une iconographie très stricte sert, là encore, la dénonciation des péchés : l’appât du gain signifié par la table de jeu renversée, l’ivrognerie par la taverne installée dans l’estomac du monstre, la luxure par un couple attaché à une harpe et un luth, ou la perversion (un homme chevauchant une femme). Présidant la scène infernale et sulfureuse, un monstre à tête d’oiseau avale les damnés qu’il expulse ensuite, tels des excréments. (sources : wikipedia, msn encarta)

Je vous propose un pack de 112 images JPEG reproduisant ses peintures. A télécharger  (15 Mo) :  Lien

Enfin, je vous rappelle cette excellente galerie virtuelle ou de nombreux peintres et graveurs sont exposés, en particulier les peintures et les dessins de Jérôme Bosch : c’est ici

Auto portrait

Gustave Doré est né à Strasbourg le 6 janvier 1832 et mort le 23 janvier 1883 à Paris dans son hôtel de la rue Saint-Dominique.

Illustrateur, dessinateur, graveur, peintre, sculpteur, Gustave Doré a laissé derrière lui une oeuvre considérable. Dès l’âge de 15 ans, Gustave Doré publie son premier album de lithographies : « Les Travaux d’Hercule ». Charles Philippon l’engage en 1848, dans son Journal pour rire.

Le succès arrive véritablement en 1853 avec la publication d’illustrations de Rabelais. Puis viendront de nombreux ouvrages illustrés.

Puisant l’essentiel de ses effets saisissants de monumentalité et de vertige dans l’atmosphère de son Alsace natale et du gothique strasbourgeois, Gustave Doré sait se montrer résolument original et indépendant. Il impose le grand format in-folio, alors rarement utilisé, et donne à la gravure sur bois ses plus belles réalisations depuis le XVIe siècle.

En 1868, il se rend à Londres et y constate la misère du peuple ; il tire de son séjour une série de xylographies d’un saisissant réalisme social, qui lui servent à illustrer le Londres de Louis Enault (1876).

Gustave Doré illustra plus de cent chefs-d’œuvre de la littérature universelle, afin de mener à bien son énorme production, il forme toute une équipe de collaborateurs et de praticiens qui gravent sous sa surveillance :

• Honoré de Balzac : Les Cent contes drolatiques.
• La Bible : Traduction de Bourassé et Janvier, appelée aussi Bible de Tours, 1866.
• François Rabelais : Œuvres, 1851, 104 ill.
• La Légende du Juif errant (1856).
• Comtesse de Ségur : Nouveaux contes de fées, 1857, 20 vign.
• Hippolyte Taine : Voyage aux Pyrénées, 1858
• Dante Alighieri : La Divine Comédie, 1861, 136 ill. et L’Enfer.
• Gottfried August Bürger : Münchhausen, Frune, 1862, 158 ill.
• Atala de Chateaubriand (1862).
• Charles Perrault : Contes (La Barbe bleue, Cendrillon, Le Chat botté, Le Petit Chaperon rouge, Le Petit Poucet, Riquet à la houppe, Griselidis, Les Fées, La Belle au bois dormant, Peau d’Âne ).
• Miguel de Cervantes : Don Quichotte, 1863, 377 ill.
• Sinbad le marin, 1865.
• Théophile Gautier : Le Capitaine Fracasse, 1866, 60 ill.
• Victor Hugo : Les Travailleurs de la mer, 1867, 22 ill.
• Jean de La Fontaine : Fables, 1868, 248 ill.
• Le Triomphe du christianisme sur le paganisme (1868, coll. part.)
• L’Enigme (1871, Paris, musée d’Orsay).
• Album London — A Pilgrimage (1874)
• Samuel Coleridge : The Rime of the Ancient Mariner, 1876
• Lord Byron : Œuvres.

Pour finir en beauté, voici quelques livres avec les dessins de Gustave Doré. Ces livres sont en haute définition, attention le poids total est souvent élévé, le format est en JPEG2000. Le lien en PDF est également fourni.

Une collection des vieux contes. Illustrée au crayon par Gustave Doré (1866) -  PDF

Une Galerie de la Bible de Doré : contient une centaine de superbes illustrations avec explications – Edition 1890  – PDF

Pack en images JPEG des illustrations de la Bible de Gustave Doré.  (poids total 100Mo)

Pack de gravures de Gustave Doré déjà publié sur jardins des délices : ici

Avec le format JPEG 2000, les images ont une meilleure compression et sont de meilleure qualité pour le Web et l’impression.

Rappel : Dans Photoshop, pour enregistrer les fichiers au format JPEG 2000, vous devez localiser le module externe JPEG 2000 en option et l’installer à l’emplacement suivant : Adobe Photoshop CS3/Modules externes/Formats de fichiers. Ce module externe se trouve dans le répertoire En prime/Modules externes facultatifs/Formats de fichier du CD-ROM d’installation de Photoshop CS3.

Sinon, vous pouvez télécharger gratuitement l’extension j2k, qui est disponible ici.

La Bible - Le Déluge

La fuite de Marie et Joseph en Egypte

Jésus parmi les scribes

Jésus portant la croix

La cène

La crucifixion

Les contes de Perrault

Les contes de Perrault

Les Contes de Perrault

Les contes de Perrault

Les contes de Perrault

Les contes de Perrault

Les contes de Perrault

Les contes de Perrault